jueves, 2 de diciembre de 2010
lunes, 29 de noviembre de 2010
Nodody's bussines
de Alan Berliner
El personaje principal nos atrapa, es agrio y duro y tiene convicciones distintas a las nuestras. Se resiste a saber de si, se resiste a su pasado. ¿Para qué?, para qué saber de la gente a la que nunca conocío y nunca quiso, como su abuelo, para que saber de ellos.
Incluso le parece una estupidez hacer una biografía de alguien sin importantcia para los demás como lo es él, como a él no le importa los que no conoce, ¿por qué a ellos les va a improtar él?
Lo que más me conmueve quizás, es la soledad que lo envuelve y de la que no quiere hablar nunca, él durante su vida eligió amar a su familia y trabajar por ella, tener una relación más cercana con su hijo de lo que su padre tuvo consigo, su padre era el símbolo de piedra, él, el padre amoroso. Aún así él se quedó sólo mientras que su padre murió acompañado. La soledad es con lo que morimos aunque amemos a alguien, siempre moriremos solos, he conocido muchos ansianos que se quedan solos, y es lo que más me atrajo del personaje, asume su soledad pero no por eso no le afecta, no quiere hablar de ella, se resiste a tocar ese tema. ¿Por qué?
Mediante el juego rítmico visul y auditivo Berliner, nos introduce a una vida que parece no tener nada especial, como su padre dice, pero que nos hace reflexionar de la relacion con nuestros propios padres, al menos a mi, me hizo pensar acerca de él y de nuestra vida juntos. Entonces es una lectura de las relaciones de familia.
¿Por qué nos interesaría la vida de alguien más? Todos hemos sido expuestos a un mismo experimento llamado famila, algunos más exitosos que otros, las identificaciones y las dudas surgen cone este documental, al mismo tiempo que la nostalgía. El padre de Alan parece no sentir nostalgia o más bien se niega a sentirla, se cierra a la cámara. He visto, con mi autorretrato como mi familia se cierra también, no quieren que alguien, aunque sea yo, se atreva a exponer su tristeza como algo que les importe a los demás. O más bien no quieren enfrentarla, viendola en una pantalla que muestra verdades cruelmente. Tal vez por eso el padre de Alan no cedía a abrirse.
La lucha de box cuando empieza la lucha de palabras entre padre e hijo me parece una alegoría muy buena.
Una imagen hermosa, a ella sí la ama porque la conoce, Alan le recuerda a su abuelo, no, a él no lo ama por que nunca lo conoció.
El final me hace pensar en la lucha constante que llevamos para que nuestros padres acepten nuestras decisiones sin pensar que son inmaduras o absurdas, haremos lo que nos parezca mejor sin embargo, la pelea por la aceptación agota y duele.
Sí, estoy de acuerdo con el el documental se cae un poco en las entrevistas a familiares, que nunca llegamos a conocer del todo y que no nos interesan, sin embargo me parece un documental conmovedor, divertido y para reflexionar.
El personaje principal nos atrapa, es agrio y duro y tiene convicciones distintas a las nuestras. Se resiste a saber de si, se resiste a su pasado. ¿Para qué?, para qué saber de la gente a la que nunca conocío y nunca quiso, como su abuelo, para que saber de ellos.
Incluso le parece una estupidez hacer una biografía de alguien sin importantcia para los demás como lo es él, como a él no le importa los que no conoce, ¿por qué a ellos les va a improtar él?
Lo que más me conmueve quizás, es la soledad que lo envuelve y de la que no quiere hablar nunca, él durante su vida eligió amar a su familia y trabajar por ella, tener una relación más cercana con su hijo de lo que su padre tuvo consigo, su padre era el símbolo de piedra, él, el padre amoroso. Aún así él se quedó sólo mientras que su padre murió acompañado. La soledad es con lo que morimos aunque amemos a alguien, siempre moriremos solos, he conocido muchos ansianos que se quedan solos, y es lo que más me atrajo del personaje, asume su soledad pero no por eso no le afecta, no quiere hablar de ella, se resiste a tocar ese tema. ¿Por qué?
Mediante el juego rítmico visul y auditivo Berliner, nos introduce a una vida que parece no tener nada especial, como su padre dice, pero que nos hace reflexionar de la relacion con nuestros propios padres, al menos a mi, me hizo pensar acerca de él y de nuestra vida juntos. Entonces es una lectura de las relaciones de familia.
La lucha de box cuando empieza la lucha de palabras entre padre e hijo me parece una alegoría muy buena.
El final me hace pensar en la lucha constante que llevamos para que nuestros padres acepten nuestras decisiones sin pensar que son inmaduras o absurdas, haremos lo que nos parezca mejor sin embargo, la pelea por la aceptación agota y duele.
Sí, estoy de acuerdo con el el documental se cae un poco en las entrevistas a familiares, que nunca llegamos a conocer del todo y que no nos interesan, sin embargo me parece un documental conmovedor, divertido y para reflexionar.
The smell of burning ants
Jay Rosenblatt, 1994
Establecidos los roles de género, pasamos a un autorretrato de un hombre, donde se explora el cruel exterior que enfrenta al crecer y un sensible interior. Impuesto desde el principio, el rechazo a cualquier actitud "perteneciente" a una mujer, colocada pues, la máscara del hombre fuerte que mata a las hormigas por gusto y que pelea con otros hombres para mostrar poder y ocultar cualquier miedo.
La idea de ganarse el poder y superioridad se desarrolla en los juegos de la infancia, el gérmen se desarrolla practicado en otros niños avergonzados y humillados.
En la crueldad con los animales, se impone la superioridad del hombre o al menos eso es lo que se trata de mostrar y en la crueldad con los demás niños, donde Rosenblatt participa y observa, de donde no puede escapar.
La figura del padre al que debe temerse aparece también, conforme pasan los años la figura de autoridad ha ido perdiendo poder. Aquí no.
Al final una imagen de una violación, de un abuso que parece también un símbolo de superioridad, de imposición sobre la mujer, Rosenblatt lo puso casi al final quizás como una concecuenta o quizás el mismo se ha sentido abusado, maltratado y corrompido por la imposición de una imagen, simplemente un rol.
Establecidos los roles de género, pasamos a un autorretrato de un hombre, donde se explora el cruel exterior que enfrenta al crecer y un sensible interior. Impuesto desde el principio, el rechazo a cualquier actitud "perteneciente" a una mujer, colocada pues, la máscara del hombre fuerte que mata a las hormigas por gusto y que pelea con otros hombres para mostrar poder y ocultar cualquier miedo.
La idea de ganarse el poder y superioridad se desarrolla en los juegos de la infancia, el gérmen se desarrolla practicado en otros niños avergonzados y humillados.
En la crueldad con los animales, se impone la superioridad del hombre o al menos eso es lo que se trata de mostrar y en la crueldad con los demás niños, donde Rosenblatt participa y observa, de donde no puede escapar.
La figura del padre al que debe temerse aparece también, conforme pasan los años la figura de autoridad ha ido perdiendo poder. Aquí no.
Al final una imagen de una violación, de un abuso que parece también un símbolo de superioridad, de imposición sobre la mujer, Rosenblatt lo puso casi al final quizás como una concecuenta o quizás el mismo se ha sentido abusado, maltratado y corrompido por la imposición de una imagen, simplemente un rol.
Sink or Swim
de Su Friedrich (1990)
Nadarse o hundirse, eso es precisamente lo que tiene que hacer la directora, recuerda que su padre le enseño a nadar, el mismo que las abandono y dejó en la tristeza a su madre, el mismo que tuvo dos esposas más, el mismo al que casi no veía, él que la dejo a la mitad del lago. Ella tuvo que volver y continuar con su vida para no hundirse, así la película tiene un sentido de desahogo, de liberación y de superación.
El documental está organizado a través de 27 capítulos de la Z a la A, es a base de material apropiado que le ha otorgado un sentido al estar unido, siento que con esté material donde aparece cualquier niño de cualquier lugar en la escuela o en una primera comunión se consigue una generalización, quizás una crítica a una estructura familiar en al que todos salen dañados.
Al hablar de lo que sucedió después de que su padre se fue, con la televisión blanco y negro muestra imágenes de familias que vemos en las películas, las familias perfectas con los padres amorosos y los hijos bien portados, a mi al menos me hizo pensar en la proyección falsa de la familia feliz, en este documental Friedrich desmitifica la imagen, hacía un momento hablaba de cómo su madre las tomaba a ella y a su hermana y las acercaba a la ventana amenazando a su padre de que saltarían, después, esta imagen.
A pesar de todo el daño, ella continua unida por un lazo a su padre y por un anhelo de comunicarse con él, aunque él permanezca ausente y con dos hijas más. Friedrich nos expone a todo un proceso complejo de pérdida, pero después, nos muestra una carta que escribe a su padre, diciéndonos así, que ella no le ha dado la espalda del todo. El título de este capítulo es “ghosts”
Friedrich comenta en una entrevista : “that abuse is more likely because of the inhuman situations that are intrinsic to a society that divides roles along gender lines.” Entonces, en el documental su padre no es el villano, hay un intento de su parte por entenderlo, después de todo él fue el que la introdujo a los mitos que le permitieron a ella darse cuenta de la fuerza femenina.
Nadarse o hundirse, eso es precisamente lo que tiene que hacer la directora, recuerda que su padre le enseño a nadar, el mismo que las abandono y dejó en la tristeza a su madre, el mismo que tuvo dos esposas más, el mismo al que casi no veía, él que la dejo a la mitad del lago. Ella tuvo que volver y continuar con su vida para no hundirse, así la película tiene un sentido de desahogo, de liberación y de superación.
El documental está organizado a través de 27 capítulos de la Z a la A, es a base de material apropiado que le ha otorgado un sentido al estar unido, siento que con esté material donde aparece cualquier niño de cualquier lugar en la escuela o en una primera comunión se consigue una generalización, quizás una crítica a una estructura familiar en al que todos salen dañados.
Al hablar de lo que sucedió después de que su padre se fue, con la televisión blanco y negro muestra imágenes de familias que vemos en las películas, las familias perfectas con los padres amorosos y los hijos bien portados, a mi al menos me hizo pensar en la proyección falsa de la familia feliz, en este documental Friedrich desmitifica la imagen, hacía un momento hablaba de cómo su madre las tomaba a ella y a su hermana y las acercaba a la ventana amenazando a su padre de que saltarían, después, esta imagen.
A pesar de todo el daño, ella continua unida por un lazo a su padre y por un anhelo de comunicarse con él, aunque él permanezca ausente y con dos hijas más. Friedrich nos expone a todo un proceso complejo de pérdida, pero después, nos muestra una carta que escribe a su padre, diciéndonos así, que ella no le ha dado la espalda del todo. El título de este capítulo es “ghosts”
Friedrich comenta en una entrevista : “that abuse is more likely because of the inhuman situations that are intrinsic to a society that divides roles along gender lines.” Entonces, en el documental su padre no es el villano, hay un intento de su parte por entenderlo, después de todo él fue el que la introdujo a los mitos que le permitieron a ella darse cuenta de la fuerza femenina.
domingo, 28 de noviembre de 2010
Los espigadores y la espigadora
Agnès Varda, 2002
“recógelo todo para no desperdiciar”
El documental en si mismo esta formado por el espigueo de imágenes, pensamientos, personas, vidas y memorias. El ejemplo puede ser la toma en que dejó encendida la cámara sin darse cuenta, una toma que nosotros desecharíamos, ella la recoge.
Varda recoge la vida de los espigadores urbanos, lo que nos lleva a este personaje interesante, un biólogo que ha decidido vivir de otra forma, recoge verduras, pan y algunas veces queso. Dice ganar demasiado poco vendiendo periódicos de la calle y da clases para aprender a leer y a escribir voluntariamente. Es mal visto al que recoge las sobras del suelo, sin embargo Agnès nos enseña a esta persona de cerca, nunca nos habíamos detenido a mirarla, para nuestra sociedad, es un elemento más que arroja la pobreza. Varda le devuelve la humanidad y lo convierte en un ser irreductible, no uno más de nosotros.
También hay quien recoge por cuestiones éticas. “La gente no se da cuenta de que no podemos seguir despilfarrando de esta forma. Hay que reciclar para respetar al medio ambiente. Yo me dedicó a buscar lo que está nuevo y todavía puede ofrecer servicio”. El la ley está poder recoger lo que se desperdicia, sin embargo no siempre se puede, por ejemplo aquí. En los centros comerciales se saca el sobrante y se lleva directo a la basura, por nadie pasa y nadie lo aprovecha. Mi pregunta es: ¿qué pierde al regalarlo?. Es absurdo, ¿qué es lo que se guarda al desperdiciarla? ¿la imagen?.
Varda comienza con una palabra del diccionario, después hace que las personas en el mundo real le den vida a esa palabra, para enseñarnos una vez más las fallas del sistema completo, que supone trabajar por los ciudadanos pero que permite que unos se mueran de hambre mientras que otros desperdician. Al ver esto, nos cuestionamos como estudiantes de cine, ¿qué temas estamos tratando? ¿somos también los que desperdician, los que marginan, los que estamos encasillados en un discurso que no es propio e ignoramos a los que están siendo afectados por el despilfarro de la sociedad?
Esos rostros de los espigadores, no están avergonzados de lo que hacen, incluso su discurso es más lógico que cualquiera que pueda dar uno que desperdicia o uno que le tenga sin cuidado.
Agnès también recoge imágenes de si misma y hace una reflexión sobre el tiempo con un reloj sin manecillas que recoge en los desperdicios, detener el tiempo, esta envejeciendo y se tiene que enfrentar a ello, el espigueo también es un pretexto para reflexionar sobre si misma. Que sutil es el paso de un tema a otro, y con que belleza lo presenta.
El documental es también un retrato social de Francia, anclada por la película con referencias que pertenecen a la tradición y a la historia, y todo el viaje lo recorremos dentro de Varda al escuchar lo que piensa, lo que reflexiona, lo que opina.
“recógelo todo para no desperdiciar”
El documental en si mismo esta formado por el espigueo de imágenes, pensamientos, personas, vidas y memorias. El ejemplo puede ser la toma en que dejó encendida la cámara sin darse cuenta, una toma que nosotros desecharíamos, ella la recoge.
Varda recoge la vida de los espigadores urbanos, lo que nos lleva a este personaje interesante, un biólogo que ha decidido vivir de otra forma, recoge verduras, pan y algunas veces queso. Dice ganar demasiado poco vendiendo periódicos de la calle y da clases para aprender a leer y a escribir voluntariamente. Es mal visto al que recoge las sobras del suelo, sin embargo Agnès nos enseña a esta persona de cerca, nunca nos habíamos detenido a mirarla, para nuestra sociedad, es un elemento más que arroja la pobreza. Varda le devuelve la humanidad y lo convierte en un ser irreductible, no uno más de nosotros.
Varda comienza con una palabra del diccionario, después hace que las personas en el mundo real le den vida a esa palabra, para enseñarnos una vez más las fallas del sistema completo, que supone trabajar por los ciudadanos pero que permite que unos se mueran de hambre mientras que otros desperdician. Al ver esto, nos cuestionamos como estudiantes de cine, ¿qué temas estamos tratando? ¿somos también los que desperdician, los que marginan, los que estamos encasillados en un discurso que no es propio e ignoramos a los que están siendo afectados por el despilfarro de la sociedad?
Esos rostros de los espigadores, no están avergonzados de lo que hacen, incluso su discurso es más lógico que cualquiera que pueda dar uno que desperdicia o uno que le tenga sin cuidado.
Agnès también recoge imágenes de si misma y hace una reflexión sobre el tiempo con un reloj sin manecillas que recoge en los desperdicios, detener el tiempo, esta envejeciendo y se tiene que enfrentar a ello, el espigueo también es un pretexto para reflexionar sobre si misma. Que sutil es el paso de un tema a otro, y con que belleza lo presenta.
El documental es también un retrato social de Francia, anclada por la película con referencias que pertenecen a la tradición y a la historia, y todo el viaje lo recorremos dentro de Varda al escuchar lo que piensa, lo que reflexiona, lo que opina.
La canción del Pulque
Everaldo Gonzalez
Comienza con unas tomas de un lugar rural y un hombre que apenas alcanzamos a escuchar su voz, una visión más romantizada del campo, a la que le continua una visión amarga de la ciudad con una captación del ambiente a mi parecer, muy bien lograda. El cantante del camión, el sonido de un claxon del que deambula vendiendo pan, la pulquería, a un lado el taxi verde con blanco, el hombre de la basura gritando, un empeño enorme en retratar un paisaje del DF que conocemos.
Después nos adentramos en la pulquería de hombres, una cámara tímida que capta a las personas cuando están distraídas o se acerca demasiado a su objetivo, este documental esta presentado un mundo que se pierde. El “cantarecio” es el personaje al que se acerca, pero que nunca logra acercarse del todo, permanece en la anécdota. Un ejemplo puede ser cuando enseña su tatuaje, sabemos que es de una mujer que se fue, que lo dejo y ya.
Ahora vamos a la parte de las mujeres. Al lugar, nunca entra. Sin embargo sí se acerca a alguien, a una mujer que se abre a la cámara, con ella consigue lo que no consiguió durante mucho tiempo con los hombres, que cuente algo personal.
El proceso del pulque me intereso mucho, por que aunque me gusta el pulque no me había puesto a pensar como se realizaba el proceso, no me parece que sobre, estamos durante mucho tiempo en una pulquería viéndolos tomar, por qué no irnos a la raíz de todo e interesarnos por los que viven de ello, sí aparece desfigurado el personaje que hace el pulque, pero creo que ayuda a completar la salvación del mundo que se está perdiendo.
Comienza con unas tomas de un lugar rural y un hombre que apenas alcanzamos a escuchar su voz, una visión más romantizada del campo, a la que le continua una visión amarga de la ciudad con una captación del ambiente a mi parecer, muy bien lograda. El cantante del camión, el sonido de un claxon del que deambula vendiendo pan, la pulquería, a un lado el taxi verde con blanco, el hombre de la basura gritando, un empeño enorme en retratar un paisaje del DF que conocemos.
Después nos adentramos en la pulquería de hombres, una cámara tímida que capta a las personas cuando están distraídas o se acerca demasiado a su objetivo, este documental esta presentado un mundo que se pierde. El “cantarecio” es el personaje al que se acerca, pero que nunca logra acercarse del todo, permanece en la anécdota. Un ejemplo puede ser cuando enseña su tatuaje, sabemos que es de una mujer que se fue, que lo dejo y ya.
Ahora vamos a la parte de las mujeres. Al lugar, nunca entra. Sin embargo sí se acerca a alguien, a una mujer que se abre a la cámara, con ella consigue lo que no consiguió durante mucho tiempo con los hombres, que cuente algo personal.
El proceso del pulque me intereso mucho, por que aunque me gusta el pulque no me había puesto a pensar como se realizaba el proceso, no me parece que sobre, estamos durante mucho tiempo en una pulquería viéndolos tomar, por qué no irnos a la raíz de todo e interesarnos por los que viven de ello, sí aparece desfigurado el personaje que hace el pulque, pero creo que ayuda a completar la salvación del mundo que se está perdiendo.
Salesman
de Albert & David Maysles (1969)
$50, una biblia y un ama de casa que se queda sola. He conocido la fachada alegre, chistosa, comprensiva, amigable, aduladora y humillante del vendedor, así como se ha ido reforzando la actitud de rechazo del posible comprador. Lo que llamó mi atención al principio, fue que el vendedor llevará con el biblias, ¿cómo vendes una biblia? Entonces vemos cómo, como una obra de arte con ilustraciones hermosas, la más grandiosa pieza de literatura de todos los tiempos, una posesión de valor en casa etc. El vendedor incluso se ha de convencer a si mismo que lo que vende vale la pena. El rechazo es lo que un vendedor soporta cada día, en cuanto toca la puerta tiene que encontrar una estrategia para acceder a la casa, lo que todos nos preguntamos al ver el documental es ¿cómo lograron entrar con la cámara?
Después de las ventas el vendedor vuelve al motel, en cuanto entra los demás le preguntan que cuanto vendió, no es que se alegren por él. En el mundo de los vendedores no hay amistad verdadera, todos permanecen en su papel seguro, midiendo lo que dicen, más bien se espera que el otro venda menos que uno.
En medio de este ambiente de vendedores que se alegran por las ventas de aquella tarde resalta Paul, la frustración se refleja en sus movimientos, en el principio hemos visto que no ha logrado una venta, pero después sabremos que se encuentra en el fin de su carrera.
El seguimiento de una persona, del trabajo a los momentos de relajación en una alberca, por ejemplo, te dejan ver varias máscaras de ellas, incluso, a mi, las habitaciones de hoteles, las negativas de los compradores, las puertas cerradas me transfirió frustración, agotamiento, sí que es difícil ganarse la vida.
Lo que tu necesitas
El documental me hace pensar en las necesidades falsas implantadas en las personas, de las que hablaba Marcuse. Estas necesidades que impiden al individuo reconocer cuan ajenas a él son, incluso se identifica con ellas. El vendedor le hace ver a las personas, cuan importante y necesario es que compre la biblia, con el target bien localizado, le implantan un deseo que antes no tenían. Así funcionan las ventas. El vendedor persuade por todos los medios al comprador, de que el ha traído hasta su casa el más grande beneficio para su familia. Los métodos de venta han evolucionado, ya es más difícil ver a un vendedor en la calle cuando quien te persuade es un televisor.
Este documental marca, también, dos épocas de la economía, aquí se vive al día, el dinero es contado para llegar el viernes, 10 años después llegaría el crédito, ofreciendo una tramposa posibilidad de bienestar.
$50, una biblia y un ama de casa que se queda sola. He conocido la fachada alegre, chistosa, comprensiva, amigable, aduladora y humillante del vendedor, así como se ha ido reforzando la actitud de rechazo del posible comprador. Lo que llamó mi atención al principio, fue que el vendedor llevará con el biblias, ¿cómo vendes una biblia? Entonces vemos cómo, como una obra de arte con ilustraciones hermosas, la más grandiosa pieza de literatura de todos los tiempos, una posesión de valor en casa etc. El vendedor incluso se ha de convencer a si mismo que lo que vende vale la pena. El rechazo es lo que un vendedor soporta cada día, en cuanto toca la puerta tiene que encontrar una estrategia para acceder a la casa, lo que todos nos preguntamos al ver el documental es ¿cómo lograron entrar con la cámara?
Después de las ventas el vendedor vuelve al motel, en cuanto entra los demás le preguntan que cuanto vendió, no es que se alegren por él. En el mundo de los vendedores no hay amistad verdadera, todos permanecen en su papel seguro, midiendo lo que dicen, más bien se espera que el otro venda menos que uno.
En medio de este ambiente de vendedores que se alegran por las ventas de aquella tarde resalta Paul, la frustración se refleja en sus movimientos, en el principio hemos visto que no ha logrado una venta, pero después sabremos que se encuentra en el fin de su carrera.
El seguimiento de una persona, del trabajo a los momentos de relajación en una alberca, por ejemplo, te dejan ver varias máscaras de ellas, incluso, a mi, las habitaciones de hoteles, las negativas de los compradores, las puertas cerradas me transfirió frustración, agotamiento, sí que es difícil ganarse la vida.
El documental me hace pensar en las necesidades falsas implantadas en las personas, de las que hablaba Marcuse. Estas necesidades que impiden al individuo reconocer cuan ajenas a él son, incluso se identifica con ellas. El vendedor le hace ver a las personas, cuan importante y necesario es que compre la biblia, con el target bien localizado, le implantan un deseo que antes no tenían. Así funcionan las ventas. El vendedor persuade por todos los medios al comprador, de que el ha traído hasta su casa el más grande beneficio para su familia. Los métodos de venta han evolucionado, ya es más difícil ver a un vendedor en la calle cuando quien te persuade es un televisor.
Este documental marca, también, dos épocas de la economía, aquí se vive al día, el dinero es contado para llegar el viernes, 10 años después llegaría el crédito, ofreciendo una tramposa posibilidad de bienestar.
Délits Flagrants
Raymond Depardon, 1994.
Algunos crímenes menores como robar una bolsa de un coche, con antecedentes claro, nos adentran en un mundo de pobreza, crimen, desesperación, y torcidos valores que se cuentan frente a una fiscal. Los fiscales trata los temas con cierta distancia, con cierta cotidianeidad.
De un lado el sistema, del otro una mujer que piensa que puede que Francia no tenga solución y que quizás su solución es suicidarse, la fiscal parece afectada. Después un hombre le reclama al fiscal que deberían respetar su libertad
¿acaso los acusados reclaman una vida digna pero de una forma incluso violenta? Un hombre le dice al fiscal, ¿para que quiero robar si ya me dieron vales para un restaurante y esta chaqueta?. Tal vez haya un reclamo a la sociedad que margina, sin embargo el sistema siempre va a estar sobre esa persona y va más allá de los esfuerzos del individuo por imponer su propia verdad.
La cámara es neutra, observadora, equilibrada entre uno y otro, no se inclina a ningún lado, ni hace juicios.
Depardon antes que nada muestra el espacio, el Palacio de Justicia, después de enseñarnos el espacio y el proceso comenzamos a escuchar cada caso, observando nada más, la cámara y nosotros no son mas que un falso testigo.
El falso testigo que sabe que Muriel quería robar un auto, y ante el fiscal ella lo niega, el juego de lo que se oculta ante el juez, es incluido en el filme. Muriel se sabe ya acusada y su última esperanza es crear una máscara de una figura trágica que conmueva a los jueces.
El proceso de Muriel es completo, observamos la confesión ante el gabinete psicológico y la cámara, el consejo del abogado donde tiene derecho a mentir pero no a decir cosas inverosímiles y le da una línea de confesión que ella debe seguir.
Algunos crímenes menores como robar una bolsa de un coche, con antecedentes claro, nos adentran en un mundo de pobreza, crimen, desesperación, y torcidos valores que se cuentan frente a una fiscal. Los fiscales trata los temas con cierta distancia, con cierta cotidianeidad.
De un lado el sistema, del otro una mujer que piensa que puede que Francia no tenga solución y que quizás su solución es suicidarse, la fiscal parece afectada. Después un hombre le reclama al fiscal que deberían respetar su libertad
¿acaso los acusados reclaman una vida digna pero de una forma incluso violenta? Un hombre le dice al fiscal, ¿para que quiero robar si ya me dieron vales para un restaurante y esta chaqueta?. Tal vez haya un reclamo a la sociedad que margina, sin embargo el sistema siempre va a estar sobre esa persona y va más allá de los esfuerzos del individuo por imponer su propia verdad.
La cámara es neutra, observadora, equilibrada entre uno y otro, no se inclina a ningún lado, ni hace juicios.
Depardon antes que nada muestra el espacio, el Palacio de Justicia, después de enseñarnos el espacio y el proceso comenzamos a escuchar cada caso, observando nada más, la cámara y nosotros no son mas que un falso testigo.
El proceso de Muriel es completo, observamos la confesión ante el gabinete psicológico y la cámara, el consejo del abogado donde tiene derecho a mentir pero no a decir cosas inverosímiles y le da una línea de confesión que ella debe seguir.
Crónica de un verano
Jean Rouch y Edgar Morin (1960)
Morin decía que el cine de verdad nace trabajando con el sujeto singular, que el todo se alcanza a través del fragmento. Entonces ¿qué fragmento representan las personas del documental?
Creo que una crítica importante en el film, esta hecha al modelo de vida capitalista , que esta recubierto por una fachada del hombre trabajador que tiene lo que quiere y que vive como quiere. Esta fachada se agrieta y nos deja ver al hombre cansado de la cotidianeidad del trabajo y del hostigamiento de los jefes. “Nunca he oído a nadie decir que su trabajo le interesa”, dice Angelo. Después Angelo conoce a Landry, un africano que ha ido a Francia y se ha tenido que adaptar a ella. Ladry piensa que en Francia cada pequeño trabajador tiene un auto y la pasa bien, Angelo responde, que algunos de los que tienen un Renault viven de pan y queso. Me parece que son este tipo de situaciones las que provoca Rouche para obtener la realidad de las cosas, sin fachadas en medio, sí, tiene un auto pero apenas si tienen para comer, ¿y no es eso lo que ha querido para nosotros el capitalismo?, el camino para la realización humana se logra comprando determinadas marcas de productos.
¿ cómo logras el acceso a la realidad oculta de las personas que están frente a una cámara?
Hemos visto que Rouche coloca a los personajes en un tipo de situación y espera a que pase algo. En esta escena provoca la convivencia de personas distintas, después, le pregunta al estudiante africano si sabe que es el tatuaje que lleva Marceline en la mano, él piensa que es un adorno. Leyendo una entrevista de Rouch acerca del momento del tatuaje de Marceline, de lo mucho que afectó en todos los que estaban ahí:
“Antes de este momento la gente estaba jovial y riendo. De pronto los europeos empezaron a llorar y los africanos quedaron totalmente perplejos, pensaban que el tatuaje era un tipo de adorno. Todos quedamos profundamente afectados. El camarógrafo, que era uno de los mejores documentalistas estaba tan afectado que el final de la secuencia está fuera de foco. Paré la filmación para dar a todos la oportunidad de recobrarse. Ahora bien; si éste es un momento “verdadero” o un momento “armado”, ¿tiene alguna importancia?”
Para Rouch es importante en el estudio antropológico, la inclusión o “retroalimentación”, que consiste en compartir sus filmaciones con los que han sido sujetos de ellas. Rouch lo llamó “etno diálogo” y en este documental lo presenta al final. En una sala es proyectada la película, a continuación el documental reflexiona sobre si mismo, los actores se enfrentan a ellos mismos y critican a los otros. Después de que algunos sujetos se han abierto a la cámara y se han expuesto como Marilou o Marceline, reciben críticas como haber estado al borde de la histeria, estar simplemente actuando o exponerse demasiado, me parece el experimento antropológico más interesante del documental. Después de todo, a todos nos ha tocado exponernos y ser criticados, entonces nos retraemos, nos cerramos, sin embargo en algún momento debemos de descargarnos para aligerar el peso de ser nosotros mismos.
Creo que una crítica importante en el film, esta hecha al modelo de vida capitalista , que esta recubierto por una fachada del hombre trabajador que tiene lo que quiere y que vive como quiere. Esta fachada se agrieta y nos deja ver al hombre cansado de la cotidianeidad del trabajo y del hostigamiento de los jefes. “Nunca he oído a nadie decir que su trabajo le interesa”, dice Angelo. Después Angelo conoce a Landry, un africano que ha ido a Francia y se ha tenido que adaptar a ella. Ladry piensa que en Francia cada pequeño trabajador tiene un auto y la pasa bien, Angelo responde, que algunos de los que tienen un Renault viven de pan y queso. Me parece que son este tipo de situaciones las que provoca Rouche para obtener la realidad de las cosas, sin fachadas en medio, sí, tiene un auto pero apenas si tienen para comer, ¿y no es eso lo que ha querido para nosotros el capitalismo?, el camino para la realización humana se logra comprando determinadas marcas de productos.
¿ cómo logras el acceso a la realidad oculta de las personas que están frente a una cámara?
Hemos visto que Rouche coloca a los personajes en un tipo de situación y espera a que pase algo. En esta escena provoca la convivencia de personas distintas, después, le pregunta al estudiante africano si sabe que es el tatuaje que lleva Marceline en la mano, él piensa que es un adorno. Leyendo una entrevista de Rouch acerca del momento del tatuaje de Marceline, de lo mucho que afectó en todos los que estaban ahí:
“Antes de este momento la gente estaba jovial y riendo. De pronto los europeos empezaron a llorar y los africanos quedaron totalmente perplejos, pensaban que el tatuaje era un tipo de adorno. Todos quedamos profundamente afectados. El camarógrafo, que era uno de los mejores documentalistas estaba tan afectado que el final de la secuencia está fuera de foco. Paré la filmación para dar a todos la oportunidad de recobrarse. Ahora bien; si éste es un momento “verdadero” o un momento “armado”, ¿tiene alguna importancia?”
Para Rouch es importante en el estudio antropológico, la inclusión o “retroalimentación”, que consiste en compartir sus filmaciones con los que han sido sujetos de ellas. Rouch lo llamó “etno diálogo” y en este documental lo presenta al final. En una sala es proyectada la película, a continuación el documental reflexiona sobre si mismo, los actores se enfrentan a ellos mismos y critican a los otros. Después de que algunos sujetos se han abierto a la cámara y se han expuesto como Marilou o Marceline, reciben críticas como haber estado al borde de la histeria, estar simplemente actuando o exponerse demasiado, me parece el experimento antropológico más interesante del documental. Después de todo, a todos nos ha tocado exponernos y ser criticados, entonces nos retraemos, nos cerramos, sin embargo en algún momento debemos de descargarnos para aligerar el peso de ser nosotros mismos.
Public housing
de Frederock Wiseman (1997)
El retrato de un paisaje completo de una cultura, Wiseman tiene una habilidad especial para la construcción de un espacio, este espacio está en Chicago, y esta imagen pertenece a una vivienda social para negros, donde una mujer prepara la comida. El momento nos captura, la lentitud de las acciones que se acercan a la realidad y que les dan vida.
En el documental los residentes de los proyectos de Ida B. Wells, enfrentan una lucha por la dignidad humana, para los residentes de la vivienda pública. ¿qué es este lugar? Son restos de una utopía que se creo en los 50’s abandonada o donde se acabo el presupuesto. Donde muchos residentes han dejado la esperanza a un lado y se mantienen en una resistencia pasiva, dejándose ser dependientes del gobierno que los mantiene alojados y alimentados pero en malas condiciones.
La lucha por mejorar la calidad de vida arroja personajes importantes como Carter o Finner que ven al sistema como un enemigo del que hay que defenderse y arrebatar los derechos si ellos no los otorgan.
Wiseman nos muestra la vida en la calle, se mete a una casa, como funcionan las ventas y las compras, la sinceridad de los policías preocupado por una drogadicta. Nos deja una sensación agria y desesperanzadora, y así aunque veamos los esfuerzos de Carter, Finer, trabajadores sociales, policías y una monja el peso es demasiado para que lo levanten ellos.
Por lo demás, el documental es excelente, nos ubica en espacios y situaciones que nos acercan a la comunidad transmitiendo así, imágenes de lo que pasa en otros ámbitos, que es la tarea de Wiseman.
El retrato de un paisaje completo de una cultura, Wiseman tiene una habilidad especial para la construcción de un espacio, este espacio está en Chicago, y esta imagen pertenece a una vivienda social para negros, donde una mujer prepara la comida. El momento nos captura, la lentitud de las acciones que se acercan a la realidad y que les dan vida.
En el documental los residentes de los proyectos de Ida B. Wells, enfrentan una lucha por la dignidad humana, para los residentes de la vivienda pública. ¿qué es este lugar? Son restos de una utopía que se creo en los 50’s abandonada o donde se acabo el presupuesto. Donde muchos residentes han dejado la esperanza a un lado y se mantienen en una resistencia pasiva, dejándose ser dependientes del gobierno que los mantiene alojados y alimentados pero en malas condiciones.
La lucha por mejorar la calidad de vida arroja personajes importantes como Carter o Finner que ven al sistema como un enemigo del que hay que defenderse y arrebatar los derechos si ellos no los otorgan.
Wiseman nos muestra la vida en la calle, se mete a una casa, como funcionan las ventas y las compras, la sinceridad de los policías preocupado por una drogadicta. Nos deja una sensación agria y desesperanzadora, y así aunque veamos los esfuerzos de Carter, Finer, trabajadores sociales, policías y una monja el peso es demasiado para que lo levanten ellos.
Por lo demás, el documental es excelente, nos ubica en espacios y situaciones que nos acercan a la comunidad transmitiendo así, imágenes de lo que pasa en otros ámbitos, que es la tarea de Wiseman.
lunes, 1 de noviembre de 2010
Autorretrato
Quisiera ofrecer una nueva propuesta para mi autorretrato. Desde siempre he anotado en un cuadernito las experiencias más importantes que he tenido. Por ejemplo:
#20 El padre me cubre con una sabana, después le hablan a mi hermano y le dicen que es mi tumba, que se despida de mi, mi hermano llora incluso cuando me ve levantarme. Supongo que ya no será malo.
#36 soñé que mi padre se moría, el soñó que yo me moría, nuestra conexión es muy fuerte.
#41 En el viaje a Europa pierdo todo mi dinero y no he comido en dos días mas que hielos.
#43 Mi prima dice que un momento atrás le dije que había entrado el diablo en el hotel, yo no lo recuerdo.
#50 mi padre habla de viajar en el tiempo, dice que a veces el presente es insoportable.
#51 Mi mejor amigo tiene una hija, ahora su novia no lo deja ver a ninguna mujer, lo extraño.
#54 Congestión alcohólica.
#70 Llevo enferma un mes, sin poder estar bien un día. Estoy indispuesta o más bien triste.
#87 Mauro
#88 Mi abuela muere y lo único en que pienso cuando la veo es en sacarle el algodón de la boca y la nariz para que pueda respirar.
#91 Mi papá pregunta que a donde volvería en el tiempo.
#93 Mi papá llega a la conclusión de que la tecnología nos nos hará viajar en el tiempo. Nos dejará anclados.
Quisiera utilizarlas con voz en off o escritas. Las imágenes serán recreaciones de las experiencias con uso predominante del close up, algunas de ellas serán sólo abstracciones que representen los momentos precisos.
Por cada una de las experiencias predominará un color distinto, se usará filtros.
#20 El padre me cubre con una sabana, después le hablan a mi hermano y le dicen que es mi tumba, que se despida de mi, mi hermano llora incluso cuando me ve levantarme. Supongo que ya no será malo.
#36 soñé que mi padre se moría, el soñó que yo me moría, nuestra conexión es muy fuerte.
#41 En el viaje a Europa pierdo todo mi dinero y no he comido en dos días mas que hielos.
#43 Mi prima dice que un momento atrás le dije que había entrado el diablo en el hotel, yo no lo recuerdo.
#50 mi padre habla de viajar en el tiempo, dice que a veces el presente es insoportable.
#51 Mi mejor amigo tiene una hija, ahora su novia no lo deja ver a ninguna mujer, lo extraño.
#54 Congestión alcohólica.
#70 Llevo enferma un mes, sin poder estar bien un día. Estoy indispuesta o más bien triste.
#87 Mauro
#88 Mi abuela muere y lo único en que pienso cuando la veo es en sacarle el algodón de la boca y la nariz para que pueda respirar.
#91 Mi papá pregunta que a donde volvería en el tiempo.
#93 Mi papá llega a la conclusión de que la tecnología nos nos hará viajar en el tiempo. Nos dejará anclados.
Quisiera utilizarlas con voz en off o escritas. Las imágenes serán recreaciones de las experiencias con uso predominante del close up, algunas de ellas serán sólo abstracciones que representen los momentos precisos.
Por cada una de las experiencias predominará un color distinto, se usará filtros.
domingo, 31 de octubre de 2010
Los tambores de antaño
de Jean Rouch (1971)
Con el único propósito de preservar los tambores que dejarán de oírse para siempre. La cámara era presente e invisible y se sumergía en la realidad, como él dice, sumergiéndonos a nosotros en aquella realidad que por ser un testimonio filmado va a permanecer presente aunque termine. Ahí la importancia de la antropología visual. Debemos conocer las culturas como son y no transfórmalas en reflejos de nosotros mismos, como decía Rouch. Sus documentos detienen la perdida y olvido de culturas que se han ido transformando o que han ido muriendo. En este documental la cámara me parece sobre todo participativa, como un espectador cercano.
Con el único propósito de preservar los tambores que dejarán de oírse para siempre. La cámara era presente e invisible y se sumergía en la realidad, como él dice, sumergiéndonos a nosotros en aquella realidad que por ser un testimonio filmado va a permanecer presente aunque termine. Ahí la importancia de la antropología visual. Debemos conocer las culturas como son y no transfórmalas en reflejos de nosotros mismos, como decía Rouch. Sus documentos detienen la perdida y olvido de culturas que se han ido transformando o que han ido muriendo. En este documental la cámara me parece sobre todo participativa, como un espectador cercano.
Mammy water
de Jean Rouch (1953)
Comienza el documental y unos hombres lanzan las redes al agua, al sacarlas están vacías.
Los tambres resuenan para el Festival de rey de Chama. Observamos detenidamente con la mirada omnipresente de Rouch. El ritual que pide perdón al mar y le ofrece ofrendas, es una comunidad pesquera, le deben todo al mar. El mar como un proveedor de vida.
Ahora pueden preparar la gran temporada de pesca. La expectativa aumenta mientras los pescadores luchan con las olas, ¿podrán con una ofrenda al mar conseguir la pesca esperada?
Sí, las redes están llenas. Pareciera una narrativa construida con momentos separados acomodados de forma lineal para lograr cumplir las expectativas que nos creamos al ver todo un ritual al mar, o ¿es que el mar los ha perdonado?. Los chicos llevan enormes peses y juegan en el mar, la fuente de la vida.
Los tambres resuenan para el Festival de rey de Chama. Observamos detenidamente con la mirada omnipresente de Rouch. El ritual que pide perdón al mar y le ofrece ofrendas, es una comunidad pesquera, le deben todo al mar. El mar como un proveedor de vida.
Sí, las redes están llenas. Pareciera una narrativa construida con momentos separados acomodados de forma lineal para lograr cumplir las expectativas que nos creamos al ver todo un ritual al mar, o ¿es que el mar los ha perdonado?. Los chicos llevan enormes peses y juegan en el mar, la fuente de la vida.
Les Maitres Fous
de Jean Rouch (1955)
“Este juego violento no es más que el reflejo de nuestra civilización”
Cuando un sociedad es colonizada, implica un impacto traumático en los nativos que perdura durante muchas generaciones. El mundo que conocían cambia por completo y se tienen que adaptar a una nueva historia, geografía, pensamiento, religión etc. Rouch dice “Quería explicar (con el comentario del final) que el ritual era un método que les permitía funcionar en la sociedad normal con menos conflicto. Quería aclarar que no eran locos. Un punto importante que perdimos era que la terapia para los africanos no es una consulta privada como la del sicoanálisis y la mayoría de las terapias occidentales. La terapia que filmamos era un rito público, hecho a la luz del sol. Este es uno de los puntos más importantes que los occidentales deben aprender.”
Con la forma de vida a la que estamos adecuados, donde existe una convención que dice cómo debes comportarte, un especie de proyección de una forma de vida que debe de ser adquirida. Al ver este documental nos cuesta trabajo entender lo que sucede, nos parecer raro, violento e inadecuado. Y más en el tiempo que se deja de creer en lo mítico, en lo espiritual y en cualquier cosa que no sea la ciencia, la ciencia que explica toda la vida, dejando de lado cualquier otra explicación. ¿Cómo no nos va a parecer raro? ¿cómo no nos va a incomodar?.
“Después vino la independencia y no hubo más poder y modelos coloniales. Pero hay algo extraordinario en el ritual que crearon. Toda clase de poderes los han atacado a ellos, y también a mí por filmarlos: los colonialistas, a quienes no les gustó verse retratados; los revolucionarios africanos, a quienes no les gustó el primitivismo; los que rechazaban el sacrificio del perro, etcétera.”
En el final, el modo de denuncia se queda en un ritual y toda la furia de ser oprimido se conviene hasta desbocarse una vez al año, el tiempo que queda, se es un buen trabajador en una sociedad que no es justa, ¿por qué? . Por que el poder tiene métodos de obligarnos sutilmente a hacer lo que no haríamos.
“Este juego violento no es más que el reflejo de nuestra civilización”
Cuando un sociedad es colonizada, implica un impacto traumático en los nativos que perdura durante muchas generaciones. El mundo que conocían cambia por completo y se tienen que adaptar a una nueva historia, geografía, pensamiento, religión etc. Rouch dice “Quería explicar (con el comentario del final) que el ritual era un método que les permitía funcionar en la sociedad normal con menos conflicto. Quería aclarar que no eran locos. Un punto importante que perdimos era que la terapia para los africanos no es una consulta privada como la del sicoanálisis y la mayoría de las terapias occidentales. La terapia que filmamos era un rito público, hecho a la luz del sol. Este es uno de los puntos más importantes que los occidentales deben aprender.”
Con la forma de vida a la que estamos adecuados, donde existe una convención que dice cómo debes comportarte, un especie de proyección de una forma de vida que debe de ser adquirida. Al ver este documental nos cuesta trabajo entender lo que sucede, nos parecer raro, violento e inadecuado. Y más en el tiempo que se deja de creer en lo mítico, en lo espiritual y en cualquier cosa que no sea la ciencia, la ciencia que explica toda la vida, dejando de lado cualquier otra explicación. ¿Cómo no nos va a parecer raro? ¿cómo no nos va a incomodar?.
“Después vino la independencia y no hubo más poder y modelos coloniales. Pero hay algo extraordinario en el ritual que crearon. Toda clase de poderes los han atacado a ellos, y también a mí por filmarlos: los colonialistas, a quienes no les gustó verse retratados; los revolucionarios africanos, a quienes no les gustó el primitivismo; los que rechazaban el sacrificio del perro, etcétera.”
En el final, el modo de denuncia se queda en un ritual y toda la furia de ser oprimido se conviene hasta desbocarse una vez al año, el tiempo que queda, se es un buen trabajador en una sociedad que no es justa, ¿por qué? . Por que el poder tiene métodos de obligarnos sutilmente a hacer lo que no haríamos.
Cannibal Tours
de Dennis O'Rourk (1988)
Filmando en Papua Nueva Guinea
Comienza y vemos al turista de la cámara adinerado. El turista curioso que quiere una foto sonriendo al lado de la piedra donde se mataban hombres como parte de una cultura destruida, donde se impone una nueva historia
El turismo de nuestra era posmoderna busca formas de vida primitivas, distintas a las suyas, pretende descubrir lugares exóticos para tomar fotos y sentirse aventureros. La cámara funciona como un certificado, de haber estado expuestos vida primitiva.
Un choque de culturas, que se repite una y otra vez, los unos creen en lo mítico, los otros quieren ver como viven ellos y comprar recuerdos. Me pregunto ¿Cómo ven los nativos a los turistas?. A primera vista como una fuente de dinero, saben que ellos tienen mucho y están dispuestos a dejarse fotografiar y que fotografíen lugares sagrados para ellos, saben que si tocan el tambor le dan dinero. ¿Cómo ven ellos el hecho de que quieran retratarlos?. Un nativo dice no saberlo, sólo se sienten confundidos. Pero sabe que hay postales de las casa-espíritu en las grandes tiendas y que incluso su hijo le mandó una postal de ella. Que absurdo, se nota indignado. El sentimiento o reflexión que me produjo fue que, para los turistas que toman una foto de la casa espíritu no significa nada, tomarle una foto no es llevarse con ella su esencia. Menos si no conocen su valor y significado y sino puedes creer que surgió del agua. En una postal un lugar así pierde su valor para ser banalizada. ¿Para que querría un nativo una postal de la casa- espíritu? Estamos en una sociedad posmoderna en que todo es banalizado, incluso lo sagrado, e incluso el ser humano mismo.
¿qué vienen a ver? pregunta un nativo. Y él piensa que los han visto en libros y les ha dado curiosidad saber como viven.
Casi nunca los vemos interactuando, que no sea por cuestiones de compra- venta, ¿será el idioma?, o será un complejo interno y oculto de una relación de dominación establecida en el tiempo de la colonización donde los unos, que venían de Europa se deshicieron de sus creencias y les implantaron una nueva forma de vida. “La vida que llevo mi padre ha terminado, nosotros vivimos en un mundo distinto, seguimos las leyes de la iglesia y el gobierno”
Las entrevistas de los nativos estan intercaladas con las de los europeos, se contrapone la una con la otra. Vemos que piensan unos de los otros, para unos es una curiosa forma de vida “salvaje” pero conformista con lo que les da la naturaleza, para los otros son los que traen dinero, personas de un lugar desconocido y que realizan acciones que no comprenden pero se prestan a ellas.
Filmando en Papua Nueva Guinea
Comienza y vemos al turista de la cámara adinerado. El turista curioso que quiere una foto sonriendo al lado de la piedra donde se mataban hombres como parte de una cultura destruida, donde se impone una nueva historia
El turismo de nuestra era posmoderna busca formas de vida primitivas, distintas a las suyas, pretende descubrir lugares exóticos para tomar fotos y sentirse aventureros. La cámara funciona como un certificado, de haber estado expuestos vida primitiva.
Un choque de culturas, que se repite una y otra vez, los unos creen en lo mítico, los otros quieren ver como viven ellos y comprar recuerdos. Me pregunto ¿Cómo ven los nativos a los turistas?. A primera vista como una fuente de dinero, saben que ellos tienen mucho y están dispuestos a dejarse fotografiar y que fotografíen lugares sagrados para ellos, saben que si tocan el tambor le dan dinero. ¿Cómo ven ellos el hecho de que quieran retratarlos?. Un nativo dice no saberlo, sólo se sienten confundidos. Pero sabe que hay postales de las casa-espíritu en las grandes tiendas y que incluso su hijo le mandó una postal de ella. Que absurdo, se nota indignado. El sentimiento o reflexión que me produjo fue que, para los turistas que toman una foto de la casa espíritu no significa nada, tomarle una foto no es llevarse con ella su esencia. Menos si no conocen su valor y significado y sino puedes creer que surgió del agua. En una postal un lugar así pierde su valor para ser banalizada. ¿Para que querría un nativo una postal de la casa- espíritu? Estamos en una sociedad posmoderna en que todo es banalizado, incluso lo sagrado, e incluso el ser humano mismo.
¿qué vienen a ver? pregunta un nativo. Y él piensa que los han visto en libros y les ha dado curiosidad saber como viven.
Casi nunca los vemos interactuando, que no sea por cuestiones de compra- venta, ¿será el idioma?, o será un complejo interno y oculto de una relación de dominación establecida en el tiempo de la colonización donde los unos, que venían de Europa se deshicieron de sus creencias y les implantaron una nueva forma de vida. “La vida que llevo mi padre ha terminado, nosotros vivimos en un mundo distinto, seguimos las leyes de la iglesia y el gobierno”
Las entrevistas de los nativos estan intercaladas con las de los europeos, se contrapone la una con la otra. Vemos que piensan unos de los otros, para unos es una curiosa forma de vida “salvaje” pero conformista con lo que les da la naturaleza, para los otros son los que traen dinero, personas de un lugar desconocido y que realizan acciones que no comprenden pero se prestan a ellas.
War at distance
de Harun Farocki (2003)
"Debe haber una relación entre la producción y la destrucción"
Paul Tibbets, el piloto del bombardero B-29 Enola Gay, el avión que lanzó la bomba atómica sobre Hiroshima durante la Segunda Guerra Mundial, decía sobre aquel día: “se soltó la bomba (…) este era un asunto poco emocionante y rutinario hasta el momento en que vimos los daños causados”. Ya en la Segunda Guerra Mundial se podía presionar un botón de forma rutinaria y matar a miles de personas allá abajo.
Lo que retrata Farocki es la guerra a distancia que hace que el solado pierda la emocionalidad de enfrentarse a la muerte de otro ser humano.
Farocki dice en una entrevista :“La ciencia y la tecnología ya no se interesaban en los últimos cien años, por lo menos en el área técnico-óptico, por este fenómeno. En el momento en que se inventaron la fotografía y el cine se hicieron estudios sobre el movimiento con animales. En ese momento, lógicamente, tenía un rol muy importante. Desde que existen máquinas que tienen ojos y pueden ver y pueden procesar las imágenes, estas cobran nuevamente importancia para la tecnología y la ciencia. La imagen formaba parte del área de consumo, pero en las fábricas se comenzó a trasladar todo a una imagen y a trabajar como lo hace la propaganda hoy en día.”
Ahora, los avances tecnológicos de la visión determinan transformaciones en las tecnologías militares y las nuevas modalidades de la guerra.
“armas inteligentes”
Las armas persiguen un objeto predefinido que siguen hasta que lo destruyen, la imagen es predefinida por medio de algoritmos y operaciones técnicas. El arma, por ejemplo, un misil tiene una cámara que le permite “ver” su objetivo y alcanzarlo por medio de reconocimiento de patrones.
El mismo mecanismo se esta utilizando en la industria, la maquina tiene un “ojo” donde ve la pieza mecánica, lo toma. Esta es una de las relaciones del sistema de guerra y la producción industrial.
"Debe haber una relación entre la producción y la destrucción"
Paul Tibbets, el piloto del bombardero B-29 Enola Gay, el avión que lanzó la bomba atómica sobre Hiroshima durante la Segunda Guerra Mundial, decía sobre aquel día: “se soltó la bomba (…) este era un asunto poco emocionante y rutinario hasta el momento en que vimos los daños causados”. Ya en la Segunda Guerra Mundial se podía presionar un botón de forma rutinaria y matar a miles de personas allá abajo.
Lo que retrata Farocki es la guerra a distancia que hace que el solado pierda la emocionalidad de enfrentarse a la muerte de otro ser humano.
Farocki dice en una entrevista :“La ciencia y la tecnología ya no se interesaban en los últimos cien años, por lo menos en el área técnico-óptico, por este fenómeno. En el momento en que se inventaron la fotografía y el cine se hicieron estudios sobre el movimiento con animales. En ese momento, lógicamente, tenía un rol muy importante. Desde que existen máquinas que tienen ojos y pueden ver y pueden procesar las imágenes, estas cobran nuevamente importancia para la tecnología y la ciencia. La imagen formaba parte del área de consumo, pero en las fábricas se comenzó a trasladar todo a una imagen y a trabajar como lo hace la propaganda hoy en día.”
Ahora, los avances tecnológicos de la visión determinan transformaciones en las tecnologías militares y las nuevas modalidades de la guerra.
“armas inteligentes”
Las armas persiguen un objeto predefinido que siguen hasta que lo destruyen, la imagen es predefinida por medio de algoritmos y operaciones técnicas. El arma, por ejemplo, un misil tiene una cámara que le permite “ver” su objetivo y alcanzarlo por medio de reconocimiento de patrones.
El mismo mecanismo se esta utilizando en la industria, la maquina tiene un “ojo” donde ve la pieza mecánica, lo toma. Esta es una de las relaciones del sistema de guerra y la producción industrial.
The war game
de Peter Watkins (1965)
Tomando como base los bombardeos a Gran Bretaña dos siglos antes, en la localidad de Dresden. Peter Watkins creo una visión futurista de un posible ataque nuclear a Gran Bretaña. Centrándose en efectos en la vida cotidiana, no nos muestra un paisaje desolador sino rostros, familias, personas en hospitales etc. Los individualiza, pero en esta individualización también hay un rastro de destrucción masiva, por ejemplo cuando nos muestra la cubeta con anillos de los cadáveres que tratan de identificar por medio de la inscripción en el anillo. Esta imagen se convierte en una historia amplificada en nuestra cabeza, nos imaginamos los cientos de cadáveres quemados a los que les arrancaron los anillos de los dedos. Me hubiera gustado ver mas momento de estos, donde se utiliza la referencia para amplificar ideas y difundir terror.
Peter Watkins dijo que en 1964 cuando se desarrollaba a gran escala un programa de desarrollo nuclear: “la televisión británica de la época se mostraba bastante reacia a tratar el tema de la carrera armamentística, y había un silencio significativo sobre los efectos de las armas nucleares - un tema del que la gran mayoría del público carecía totalmente de información.” Y esto mismo lo reflejó en su película utilizando supuestas entrevistas en la calle, que subrayan la ignoracia de la población respecto a la amenaza nuclear.
La proyección de escenarios futuros, se ha utilizado en la política para tomar medidas que controlen el presente. No sólo en la política, también en la economía o en en temas que tratan el problema de la capa de ozono, se utilizan proyecciones de las concecuencias en un futuro cercano. En Peter Watkins la utilización del futuro, es algo parecido, concietizar activamente al público y movilizarlo.
Tomando como base los bombardeos a Gran Bretaña dos siglos antes, en la localidad de Dresden. Peter Watkins creo una visión futurista de un posible ataque nuclear a Gran Bretaña. Centrándose en efectos en la vida cotidiana, no nos muestra un paisaje desolador sino rostros, familias, personas en hospitales etc. Los individualiza, pero en esta individualización también hay un rastro de destrucción masiva, por ejemplo cuando nos muestra la cubeta con anillos de los cadáveres que tratan de identificar por medio de la inscripción en el anillo. Esta imagen se convierte en una historia amplificada en nuestra cabeza, nos imaginamos los cientos de cadáveres quemados a los que les arrancaron los anillos de los dedos. Me hubiera gustado ver mas momento de estos, donde se utiliza la referencia para amplificar ideas y difundir terror.
Lo más importante, a mi punto de vista, de este documental. Es que toca temas, detalles de consecuencias reales de los que nadie habla. Efectos posteriores como la escacez de comida, el retorno a la vida primitiva en ciudades no habitables, los efectos psicológicos en la población sobreviviente. Las hipótesis se basan en conclusiones científicas y hechos reales ocurridos despues de casos de bombardeos devastadores.
Peter Watkins dijo que en 1964 cuando se desarrollaba a gran escala un programa de desarrollo nuclear: “la televisión británica de la época se mostraba bastante reacia a tratar el tema de la carrera armamentística, y había un silencio significativo sobre los efectos de las armas nucleares - un tema del que la gran mayoría del público carecía totalmente de información.” Y esto mismo lo reflejó en su película utilizando supuestas entrevistas en la calle, que subrayan la ignoracia de la población respecto a la amenaza nuclear.
La proyección de escenarios futuros, se ha utilizado en la política para tomar medidas que controlen el presente. No sólo en la política, también en la economía o en en temas que tratan el problema de la capa de ozono, se utilizan proyecciones de las concecuencias en un futuro cercano. En Peter Watkins la utilización del futuro, es algo parecido, concietizar activamente al público y movilizarlo.
Human remains
de Jay Rosenblatt (1998)
Comienza con un hombre tomando a una niña en sus brazos, podría ser una película familiar, una película antigua. El hombre voltea, una imagen del terror, no hay persona que no lo reconozca y que no le atribuya una cualidad maléfica, destructiva. Pero ¿qué hace ese hombre con una niña?. No los imaginamos nadando o pescando. “La idea vino de una imagen de Hitler comiendo que me pareció muy perturbadora porque nunca había pensado en él como un ser humano, que hiciese algo tan mundano como comer”
Entonces sabemos de que va, la banalización de la maldad y el poder. Donde voces, parecidas a la de los dictadores, nos hablan de ellos mismos. Incluso confunde al espectador, haciéndole creer que es el mismo dictador el que habla, hasta que habla de su muerte. Se mencionan gustos, preferencias, defectos de cualquier ser humano, sin mencionar nunca, la importancia histórica de estos personajes.
Los dictadores son: Adolf Hitler, Benito Mussolini, Joseph Stalin, Francisco Franco and Mao Tse Tung, detalles mundanos, íntimos, todo investigado y tomado de material de archivo, y cada uno de ellos unido mediante una imagen de una pala cavando una tumba.
Los dictadores no eran monstruos, ni venían de otro planeta, eran humanos, como nosotros. Lo que me recuerda a Resnais y su advertencia de estar alertas, entre nosotros están las personas que van a volver a generar el trauma, y debemos de estar alertas.
“Ése es el horror, que se trate de humanos: este hecho tiene más impacto que presentarlos como monstruos que hacían lo que hicieron”
Hitler era hipocondríaco, sentía mucha lástima y compasión por sí mismo; Stalin era un alcohólico; Mao era adicto al sexo; Franco era un gran hipócrita y le vemos cazando, navegando un yate y diciendo que no tenía tiempo mientras la gente sufría; Mussolini era un narcisista. Dos aspecto irreconocibles del YO, por un lado el genocida, asesino, por otro lado lo secreto, la vida privada, la vida cotidiana. Uno aspecto se separa siempre del otro ¿por qué?
Claro, darles la cualidad de monstruos resulta sencillo porque se libera uno de la culpa, o mas bien impide pensar en la posibilidad de que todos podemos ser unos asesinos en potencia.
Fuente: www.cccb.org/rcs.../Vides_reinterpretades._Jay_Rosenblatt_25_CAST_bn.pdf
Los dictadores son: Adolf Hitler, Benito Mussolini, Joseph Stalin, Francisco Franco and Mao Tse Tung, detalles mundanos, íntimos, todo investigado y tomado de material de archivo, y cada uno de ellos unido mediante una imagen de una pala cavando una tumba.
Los dictadores no eran monstruos, ni venían de otro planeta, eran humanos, como nosotros. Lo que me recuerda a Resnais y su advertencia de estar alertas, entre nosotros están las personas que van a volver a generar el trauma, y debemos de estar alertas.
“Ése es el horror, que se trate de humanos: este hecho tiene más impacto que presentarlos como monstruos que hacían lo que hicieron”
Hitler era hipocondríaco, sentía mucha lástima y compasión por sí mismo; Stalin era un alcohólico; Mao era adicto al sexo; Franco era un gran hipócrita y le vemos cazando, navegando un yate y diciendo que no tenía tiempo mientras la gente sufría; Mussolini era un narcisista. Dos aspecto irreconocibles del YO, por un lado el genocida, asesino, por otro lado lo secreto, la vida privada, la vida cotidiana. Uno aspecto se separa siempre del otro ¿por qué?
Claro, darles la cualidad de monstruos resulta sencillo porque se libera uno de la culpa, o mas bien impide pensar en la posibilidad de que todos podemos ser unos asesinos en potencia.
Fuente: www.cccb.org/rcs.../Vides_reinterpretades._Jay_Rosenblatt_25_CAST_bn.pdf
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