Nodody's bussines

de Alan Berliner

El personaje principal nos atrapa, es agrio y duro y tiene convicciones distintas a las nuestras. Se resiste a saber de si, se resiste a su pasado. ¿Para qué?, para qué saber de la gente a la que nunca conocío y nunca quiso, como su abuelo, para que saber de ellos.
Incluso le parece una estupidez hacer una biografía de alguien sin importantcia para los demás como lo es él, como a él no le importa los que no conoce, ¿por qué a ellos les va a improtar él?
Lo que más me conmueve quizás, es la soledad que lo envuelve y de la que no quiere hablar nunca, él  durante su vida eligió amar a su familia y trabajar por ella, tener una relación más cercana con su hijo de lo que su padre tuvo consigo, su padre era el símbolo de piedra, él, el padre amoroso. Aún así él se quedó sólo mientras que su padre murió acompañado. La soledad es con lo que morimos aunque amemos a alguien, siempre moriremos solos, he conocido muchos ansianos que se quedan solos, y es lo que más me atrajo del personaje, asume su soledad pero no por eso no le afecta, no quiere hablar de ella, se resiste a tocar ese tema. ¿Por qué?
Mediante el juego rítmico visul y auditivo Berliner, nos introduce a una vida que parece no tener nada especial, como su padre dice, pero que nos hace reflexionar de la relacion con nuestros propios padres, al menos a mi, me hizo pensar acerca de él y de nuestra vida juntos. Entonces es una lectura de las relaciones de familia.

¿Por qué nos interesaría la vida de alguien más? Todos hemos sido expuestos a un mismo experimento llamado famila, algunos más exitosos que otros, las identificaciones y las dudas surgen cone este documental, al mismo tiempo que la nostalgía. El padre de Alan parece no sentir nostalgia o más bien se niega a sentirla, se cierra a la cámara. He visto, con mi autorretrato como mi familia se cierra también, no quieren que alguien, aunque sea yo, se atreva a exponer su tristeza como algo que les importe a los demás. O más bien no quieren enfrentarla, viendola en una pantalla que muestra verdades cruelmente. Tal vez por eso el padre de Alan no cedía a abrirse.

La lucha de box cuando empieza la lucha de palabras entre padre e hijo me parece una alegoría muy buena.

Una imagen hermosa,  a ella sí la ama porque la conoce, Alan le recuerda a su abuelo, no, a él no lo ama por que nunca lo conoció.

El final me hace pensar en la lucha constante que llevamos para que nuestros padres acepten nuestras decisiones sin pensar que son inmaduras o absurdas, haremos lo que nos parezca mejor sin embargo, la pelea por la aceptación agota y duele.
Sí, estoy de acuerdo con el el documental se cae un poco en las entrevistas a familiares, que nunca llegamos a conocer del todo y que no nos interesan, sin embargo me parece un documental conmovedor, divertido y para reflexionar.

The smell of burning ants

Jay Rosenblatt, 1994

Establecidos los roles de género, pasamos a un autorretrato de un hombre, donde se explora el cruel exterior que enfrenta al crecer y un sensible interior. Impuesto desde el principio, el rechazo a cualquier actitud "perteneciente" a una mujer, colocada pues, la máscara del hombre fuerte que mata a las hormigas por gusto y que pelea con otros hombres para mostrar poder y ocultar cualquier miedo.
La idea de ganarse el poder y superioridad se desarrolla en los juegos de la infancia, el gérmen se desarrolla practicado en otros niños avergonzados y humillados.

En la crueldad con los animales, se impone la superioridad del hombre o al menos eso es lo que se trata de mostrar y en la crueldad con los demás niños, donde Rosenblatt participa y observa, de donde no puede escapar.

La figura del padre al que debe temerse aparece también, conforme pasan los años la figura de autoridad ha ido perdiendo poder. Aquí no.

Al final una imagen de una violación, de un abuso  que parece también un símbolo de superioridad, de imposición sobre la mujer, Rosenblatt lo puso casi al final quizás como una concecuenta  o quizás el mismo se ha sentido abusado, maltratado y corrompido por la imposición de una imagen, simplemente un rol.

Sink or Swim

de Su Friedrich (1990)
Nadarse o hundirse, eso es precisamente lo que tiene que hacer la directora, recuerda que su padre le enseño a nadar, el mismo que las abandono y dejó en la tristeza a su madre, el mismo que tuvo dos esposas más, el mismo al que casi no veía, él que la dejo a la mitad del lago. Ella tuvo que volver y continuar con su vida para no hundirse, así la película tiene un sentido de desahogo, de liberación y de superación.
El documental está organizado a través de 27 capítulos de la Z a la A, es a base de material apropiado que le ha otorgado un sentido al estar unido, siento que con esté material donde aparece cualquier niño de cualquier lugar en la escuela o en una primera comunión se consigue una generalización, quizás una crítica a una estructura familiar en al que todos salen dañados.
Al hablar de lo que sucedió después de que su padre se fue, con la televisión blanco y negro muestra imágenes de familias que vemos en las películas, las familias perfectas con los padres amorosos y los hijos bien portados, a mi al menos me hizo pensar en la proyección falsa de la familia feliz, en este documental Friedrich desmitifica la imagen, hacía un momento hablaba de cómo su madre las tomaba a ella y a su hermana y las acercaba a la ventana amenazando a su padre de que saltarían, después, esta imagen.

 A pesar de todo el daño, ella continua unida por un lazo a su padre y por un anhelo de comunicarse con él, aunque él permanezca ausente y con dos hijas más. Friedrich nos expone a  todo un proceso complejo de pérdida, pero después, nos muestra una carta que escribe a su padre, diciéndonos así, que ella no le ha dado la espalda del todo.  El título de este capítulo es “ghosts”




Friedrich comenta en una entrevista : “that abuse is more likely because of the inhuman situations that are intrinsic to a society that divides roles along gender lines.” Entonces, en el documental su padre no es el villano, hay un intento de su parte por entenderlo, después de todo él fue el que la introdujo a los mitos que le permitieron a ella darse cuenta de la fuerza femenina.

Los espigadores y la espigadora

Agnès Varda, 2002

“recógelo todo para no desperdiciar”
El documental en si mismo esta formado por el espigueo de imágenes, pensamientos, personas, vidas y memorias. El ejemplo puede ser la toma en que dejó encendida la cámara sin darse cuenta, una toma que nosotros desecharíamos, ella la recoge.

Varda recoge la vida de los espigadores urbanos, lo que nos lleva a este personaje interesante, un biólogo que ha decidido vivir de otra forma, recoge verduras, pan  y algunas veces queso. Dice ganar demasiado poco vendiendo periódicos de la calle y da clases para aprender a leer y a escribir voluntariamente. Es mal visto al que recoge las sobras del suelo, sin embargo Agnès nos enseña a esta persona de cerca, nunca nos habíamos detenido a mirarla, para nuestra sociedad, es un elemento más que arroja la pobreza. Varda le devuelve la humanidad y lo convierte en un ser irreductible, no uno más de nosotros.

También hay quien recoge por cuestiones éticas. “La gente no se da cuenta de que no podemos seguir despilfarrando de esta forma. Hay que reciclar para respetar al medio ambiente. Yo me dedicó a buscar lo que está nuevo y todavía puede ofrecer servicio”. El la ley está poder recoger lo que se desperdicia, sin embargo no siempre se puede, por ejemplo aquí. En los centros comerciales se saca el sobrante y se lleva directo a la basura, por nadie pasa y nadie lo aprovecha. Mi pregunta es: ¿qué pierde al regalarlo?. Es absurdo, ¿qué es lo que se guarda al desperdiciarla? ¿la imagen?.
Varda comienza con una palabra del diccionario, después hace que las personas en el mundo real le den vida a esa palabra, para enseñarnos una vez más las fallas del sistema completo, que supone trabajar por los ciudadanos pero que permite que unos se mueran de hambre mientras que otros desperdician. Al ver esto, nos cuestionamos como estudiantes de cine, ¿qué temas estamos tratando? ¿somos también los que desperdician, los que marginan, los que estamos encasillados en un discurso que no es propio e ignoramos a los que están siendo afectados por el despilfarro de la sociedad?

Esos rostros de los espigadores, no están avergonzados de lo que hacen, incluso su discurso es más lógico que cualquiera que pueda dar uno que desperdicia o uno que le tenga sin cuidado.

Agnès también recoge imágenes de si misma y hace una reflexión sobre el tiempo con un reloj sin manecillas que recoge en los desperdicios, detener el tiempo, esta envejeciendo y se tiene que enfrentar a ello, el espigueo también es un pretexto para reflexionar sobre si misma. Que sutil es el paso de un tema a otro, y con que belleza lo presenta.

El documental es también un retrato social de Francia, anclada por la película con referencias que pertenecen a la tradición y a la historia, y todo el viaje lo recorremos dentro de Varda al escuchar lo que piensa, lo que reflexiona, lo que opina.

La canción del Pulque

Everaldo Gonzalez

Comienza con unas tomas de un lugar rural y un hombre que apenas alcanzamos a escuchar su voz, una visión más romantizada del campo, a la que le continua una visión amarga de la ciudad con una captación del ambiente a mi parecer, muy bien lograda. El cantante del camión, el sonido de un claxon del que deambula vendiendo pan, la pulquería, a un lado el taxi verde con blanco, el hombre de la basura gritando, un empeño enorme en retratar un paisaje del DF que conocemos.

Después nos adentramos en la pulquería de hombres, una cámara tímida que capta a las personas cuando están distraídas o se acerca demasiado a su objetivo, este documental esta presentado un mundo que se pierde. El  “cantarecio” es el personaje al que se acerca, pero que nunca logra acercarse del todo, permanece en la anécdota. Un ejemplo puede ser cuando enseña su tatuaje, sabemos que es de una mujer que se fue, que lo dejo y ya.
Ahora vamos a la parte de las mujeres. Al lugar, nunca entra. Sin embargo sí se acerca a alguien, a una mujer que se abre a la cámara, con ella consigue lo que no consiguió durante mucho tiempo con los hombres, que cuente algo personal.
El proceso del pulque me intereso mucho, por que aunque me gusta el pulque no me había puesto a pensar como se realizaba el proceso, no me parece que sobre, estamos durante mucho tiempo en una pulquería viéndolos tomar, por qué no irnos a la raíz de todo e interesarnos por los que viven de ello, sí aparece desfigurado el personaje que hace el pulque, pero creo que ayuda a completar la salvación del mundo que se está perdiendo.

Salesman

de Albert & David Maysles (1969)

$50, una biblia y un ama de casa que se queda sola. He conocido la fachada alegre, chistosa, comprensiva, amigable, aduladora y humillante del vendedor, así como se ha ido reforzando la actitud de rechazo del posible comprador. Lo que llamó mi atención al principio, fue que el vendedor llevará con el biblias, ¿cómo vendes una biblia? Entonces vemos cómo, como una obra de arte con ilustraciones hermosas, la más grandiosa pieza de literatura de todos los tiempos, una posesión de valor en casa etc. El vendedor incluso se ha  de convencer a si mismo que lo que vende vale la pena. El rechazo es lo que un vendedor soporta cada día, en cuanto toca la puerta tiene que encontrar una estrategia para acceder a la casa, lo que todos nos preguntamos al ver el documental es ¿cómo lograron entrar con la cámara?


Después de las ventas el vendedor vuelve al motel, en cuanto entra los demás le preguntan que cuanto vendió, no es que se alegren por él. En el mundo de los vendedores no hay amistad verdadera, todos permanecen en su papel seguro, midiendo lo que dicen, más bien se espera que el otro venda menos que uno.
En medio de este ambiente de vendedores que se alegran por las ventas de aquella tarde resalta Paul,   la frustración se refleja en sus movimientos, en el principio hemos visto que no ha logrado una venta, pero después sabremos que se encuentra en el fin de su carrera.
El seguimiento de una persona, del trabajo a los momentos de relajación en una alberca, por ejemplo, te dejan ver varias máscaras de ellas, incluso, a mi, las habitaciones de hoteles, las negativas de los compradores, las puertas cerradas me transfirió frustración, agotamiento, sí que es difícil ganarse la vida.

Lo que tu necesitas
El documental me hace pensar en las necesidades falsas implantadas en las personas, de las que hablaba Marcuse. Estas necesidades que impiden al individuo reconocer cuan ajenas a él son, incluso se identifica con ellas.  El vendedor le hace ver a las personas, cuan importante y necesario es que compre la biblia,  con el target bien localizado, le implantan un deseo que antes no tenían. Así funcionan las ventas. El vendedor persuade por todos los medios al comprador, de que el ha traído hasta su casa el más grande beneficio para su familia. Los métodos de venta han evolucionado,  ya es más difícil ver a un vendedor en la calle cuando quien te persuade es un televisor.
 Este documental marca, también, dos épocas de la economía, aquí se vive al día, el dinero es contado para llegar el viernes, 10 años después llegaría el crédito, ofreciendo una tramposa posibilidad de bienestar.
 

Délits Flagrants

Raymond Depardon, 1994.

 
Algunos crímenes menores como robar una bolsa de un coche, con antecedentes claro, nos adentran en un mundo de pobreza, crimen, desesperación, y torcidos valores que se cuentan frente a una fiscal. Los fiscales trata los temas con cierta distancia, con cierta cotidianeidad.
De un lado el sistema, del otro una mujer que piensa que puede que Francia no tenga solución y que quizás su solución es suicidarse, la fiscal parece afectada. Después un hombre le reclama al fiscal que deberían respetar su libertad
¿acaso los acusados reclaman una vida digna pero de una forma incluso violenta?  Un hombre le dice al fiscal, ¿para que quiero robar si ya me dieron vales para un restaurante y esta chaqueta?. Tal vez haya un reclamo a la sociedad que margina, sin embargo el sistema siempre va a estar sobre esa persona y  va más allá de los esfuerzos del individuo por imponer su propia verdad.

La cámara es neutra, observadora, equilibrada entre uno y otro, no se inclina a ningún lado, ni hace juicios.
Depardon antes que nada muestra el espacio, el Palacio de Justicia, después de enseñarnos el espacio y el proceso comenzamos a escuchar cada caso, observando nada más, la cámara y nosotros no son mas que un falso testigo.

El falso testigo que sabe que Muriel quería robar un auto, y ante el fiscal ella lo niega, el juego de lo que se oculta ante el juez, es incluido en el filme. Muriel se sabe ya acusada y su última esperanza es crear una máscara de una figura trágica que conmueva a los jueces.
El proceso de Muriel es completo, observamos la confesión ante el gabinete psicológico y la cámara, el consejo del abogado donde tiene derecho a mentir pero no a decir cosas inverosímiles y le da una línea de confesión que ella debe seguir.

Crónica de un verano

Jean Rouch y  Edgar Morin (1960)

Morin decía que el cine de verdad nace trabajando con el sujeto singular, que el todo se alcanza a través del fragmento. Entonces ¿qué fragmento representan las personas del documental?
Creo que una crítica importante en el film, esta hecha al modelo de vida capitalista , que esta recubierto por una fachada del hombre trabajador que tiene lo que quiere y que vive como quiere. Esta fachada se agrieta y nos deja ver al hombre cansado de la cotidianeidad del trabajo y del hostigamiento de los jefes. “Nunca he oído a nadie decir que su trabajo le interesa”, dice Angelo. Después Angelo conoce a Landry, un africano que ha ido a Francia y se ha tenido que adaptar a ella. Ladry piensa que en Francia cada pequeño trabajador tiene un auto y la pasa bien, Angelo responde, que algunos de los que tienen un Renault viven de pan y queso. Me parece que son este tipo de situaciones las que provoca Rouche para obtener la realidad de las cosas, sin fachadas en medio, sí, tiene un auto pero apenas si tienen para comer, ¿y no es eso lo que ha querido para nosotros el capitalismo?, el camino para la realización humana se logra comprando determinadas marcas de productos.

¿ cómo logras el acceso a la realidad oculta de las personas que están frente a una cámara?
Hemos visto que Rouche coloca a los personajes en un tipo de situación y espera a que pase algo. En esta escena provoca la convivencia de personas distintas, después, le pregunta al estudiante africano si sabe que es el tatuaje que lleva Marceline en la mano, él piensa que es un adorno. Leyendo una entrevista de Rouch  acerca del momento del tatuaje de Marceline, de lo mucho que afectó en todos los que estaban ahí:
“Antes de este momento la gente estaba jovial y riendo. De pronto los europeos empezaron a llorar y los africanos quedaron totalmente perplejos, pensaban que el tatuaje era un tipo de adorno. Todos quedamos profundamente afectados. El camarógrafo, que era uno de los mejores documentalistas estaba tan afectado que el final de la secuencia está fuera de foco. Paré la filmación para dar a todos la oportunidad de recobrarse. Ahora bien; si éste es un momento “verdadero” o un momento “armado”, ¿tiene alguna importancia?”

Para Rouch es importante en el estudio antropológico, la inclusión o “retroalimentación”, que consiste en compartir  sus filmaciones con los que han sido sujetos de ellas. Rouch lo llamó “etno diálogo” y en este documental lo presenta al final. En una sala es proyectada la película, a continuación el documental reflexiona sobre si mismo, los actores se enfrentan a ellos mismos y critican a los otros. Después de que algunos sujetos se han abierto a la cámara y se han expuesto como Marilou o Marceline, reciben críticas como haber estado al borde de la histeria, estar simplemente actuando o exponerse demasiado, me parece el experimento antropológico más interesante del documental. Después de todo, a todos nos ha tocado exponernos y ser criticados, entonces nos retraemos, nos cerramos, sin embargo en algún momento debemos de descargarnos para aligerar el peso de ser nosotros mismos.

Public housing

de  Frederock Wiseman (1997)

El retrato de un paisaje completo de una cultura, Wiseman tiene una habilidad especial para la construcción de un espacio, este espacio está en Chicago, y esta imagen pertenece a una vivienda social para negros, donde una mujer prepara la comida. El momento nos captura, la lentitud de las acciones que se acercan a la realidad y que les dan vida.

En el documental los residentes de los proyectos de Ida B. Wells, enfrentan una lucha por la dignidad humana, para los residentes de la vivienda pública. ¿qué es este lugar?  Son restos de una utopía que se creo en los 50’s abandonada o donde se acabo el presupuesto. Donde muchos residentes han dejado la esperanza a un lado y se mantienen en una resistencia pasiva, dejándose ser dependientes del gobierno que los mantiene alojados y alimentados pero en malas condiciones.
La lucha por mejorar la calidad de vida arroja personajes importantes como Carter o Finner que ven al sistema como un  enemigo del que hay que defenderse y arrebatar los derechos si ellos no los otorgan.
Wiseman nos muestra la vida en la calle, se mete a una casa, como funcionan las ventas y las compras, la sinceridad de los policías preocupado por una drogadicta. Nos deja una sensación agria y desesperanzadora, y así aunque veamos los esfuerzos de Carter, Finer, trabajadores sociales, policías y una monja el peso es demasiado para que lo levanten ellos.
Por lo demás, el documental es excelente, nos ubica en espacios y situaciones que nos acercan a la comunidad  transmitiendo así, imágenes de lo que pasa en otros ámbitos, que es la tarea de Wiseman.

Autorretrato

Quisiera ofrecer una nueva propuesta para mi autorretrato. Desde siempre he anotado en un cuadernito las experiencias más importantes que he tenido. Por ejemplo:
#20 El padre me cubre con una sabana, después le hablan a mi hermano y le dicen que es mi tumba, que se despida de mi, mi hermano llora  incluso cuando me ve levantarme. Supongo que ya no será malo.
#36 soñé que mi padre se moría, el soñó que yo me moría, nuestra conexión es muy fuerte.
#41 En el viaje a Europa pierdo todo mi dinero y no he comido en dos días mas que hielos.
#43 Mi prima dice que un momento atrás le dije que había entrado el diablo en el hotel, yo no lo recuerdo.
#50 mi padre habla de viajar en el tiempo, dice que a veces el presente es insoportable.
#51 Mi mejor amigo tiene una hija, ahora su novia no lo deja ver a ninguna mujer, lo extraño.
#54 Congestión alcohólica.
#70 Llevo enferma un mes, sin poder estar bien un día. Estoy indispuesta o más bien triste.
#87 Mauro
#88 Mi abuela muere y lo único en que pienso cuando la veo es en sacarle el algodón de la boca y la nariz para que pueda respirar.
#91 Mi papá  pregunta que a donde volvería en el tiempo.
#93 Mi papá llega a la conclusión de que la tecnología nos nos hará viajar en el tiempo. Nos dejará anclados.

Quisiera utilizarlas con voz en off o escritas. Las imágenes serán recreaciones de las experiencias con uso predominante del close up, algunas de ellas serán sólo abstracciones que representen los momentos precisos.
 Por cada una de las experiencias predominará un color distinto, se usará filtros.