Let each one go where he may

de Ben Rusell  (2009)

Quisiera primero entender el prólogo:

«Esto fue lo que oímos:

Durante la esclavitud, apenas había algo que comer.

Te azotarían hasta que tu culo te escociera,

Luego te darían un poco de arroz blanco

En un cuenco. Y los dioses dijeron, dijeron que esto no

Era una manera de vivir para los seres humanos. Los dioses

Los ayudarían.

Dejad que cada uno vaya donde pueda.

Así escaparon.

Lántifáya, 1978

Maslákiiki, Surinam»

Testimonio-prólogo del film Let Each One Go Where He May, de Ben Russell

La película está rodada en Surinam, antigua colonia inglesa. Durante la colonización, eran llevados grandes cantidades de esclavos para trabajar en las plantaciones de cacao y azúcar. Providence, en Saramacca, era una de las más famosas. En 1963 los Abaísas, se rebelaron y huyeron de la plantación, corriente arriba por el río Surinam, en el bosque fundaron su pueblo.

Richard Price, que aparece en los créditos de agradecimiento, en su libro: the Historical Vision of an African American People. Publica una recopilación de testimonios orales acerca de la cultura Saramacca. Uno de los testimonios es el prológo.

“Para ellos, el río pasa de ser un mero accidente geográfico a representar la alegoría de la huida hacia una vida en libertad. El filme recoge este nuevo valor del río y lo eleva a categoría de metáfora, añadiéndole significaciones diversas: inicio, fin o muerte, transporte y movimiento, lugar de explotación, guía, camino de una sola dirección y sentido.”

Los hombres de la cultura Saramacca han pasado su vida viviendo en las ciudades costeras, ganando dinero a base de trabajos poco remunerados. El documental representa la migración por trabajo y la vuelta a un pequeño pueblo empobrecido.

 No está bien entendido o trazado el transito de los hombres a la ciudad, pero lo sabemos por el cambio de paisaje. Y por los objetos que llevan en la canoa.

En esta secuencia, uno de los hombres tala varios arboles que caen haciendo un efecto de domino. Durante algunos segundos la cierra parece no funcionar. El hombre sale de cuadro y vuelve únicamente con el machete que clava en los arboles que aun están de pie.  La mano de obra detrás de las maquinas siempre será requerida, cuando esta deja de funcionar, es el hombre con sus manos el que temrmia el trabajo.

En esta secuencia, los dos hombres limpian material durante algunos minutos, sin ningún corte. Este tiempo es el que mas se alarga. ¿por qué? Por que, en la vida real, el tiempo de trabajo es el más pesado, Ben Rusell no nos facilita la tarea editándolo. Nos expone al tiempo literal, no nos da una ilusión del trabajo. Nos dice que no es fácil, para que nosotros, no tengamos una lectura plana de la cultura que observamos. Para que tengamos una experiencia humana de lo que vemos y no solamente un repaso. Porqué la vida no es un fragmento de cortes rápidos, donde todo el tiempo hay acción. La relación con el tiempo del film es donde recide la experiencia de vivir la película. De caminar con ellos bajo el sol, el sol que incluso a nosotros nos quema por estar expuestos a él durante tanto tiempo. Me parece impresionante su forma de acercarnos a su realidad.

La película empieza con la vista del río y termina con los hombres transitando por el mismo río por el que sus antepasados cruzaron en busca de la libertado. Y por el que ahora, los hombres tienen que cruzar en una migración forzada.

Fuentes:

(1)

http://www.elumiere.net/exclusivo_web/puntodevista10/puntodevista10_06.html

Fake Fruit Factory

de Chick Strand (1986)
Un retrato de un círculo de trabajo que funciona como una familia.
Chick Strand refleja en el film una sensibilidad especial para trascender sus estereotipos de trabajo y entender otros,  apreciable  para la mirada antropológica.  

En el film observamos a detalle los gestos de trabajo, ocio y preparación de alimentos. Todas las actividades de este grupo de mujeres al que se ha acercado mucho la cámara para retratar, incluso la relación profunda entre Estados Unidos y México. La relación de explotación bajo cierta cordialidad, que es la base de las relaciones de trabajo. Este acercamiento, que en este caso es literal, se requiere para al menos rozar la esencia de un cultura que no sea la nuestra.Y así aprendemos de lo individual, rastros de toda un cultura.

Lo que vemos es una mirada que no hace juicios, que observa pacientemente para desentrañar lo que se encuentra detrás de ellas. Poniendo atención a las platicas amigables, las bromas mezcladas con el trabajo manual y la música. Los pequeños detalles que son la superficie de toda una historia que nos lleva hasta este punto.
Con los close-ups nos acercamos a detalle a un trabajo que de por si, es detallado y preciso.

La importancia de la mujer laboral esta impresa dentro del documental. Al final cuando el dueño se va, es su esposa mexicana la que toma las riendas de la empresa y se vuelve rica.

Reassemblage

de Trinh T. Minh-ha (1983)Fue rodada en Senegal.

“He oído a un gran número de académicos decir que mis libros son muy difíciles. Y yo esto no lo niego. Pero, por otra parte, conozco gente que dejó la escuela a los quince años y que no ha tenido ninguna preparación teórica, y que llega a mis libros por accidente, y que aunque no pueden leer muchas páginas de una vez… leen algunas y me dicen que es increíble porque sienten afinidad con el proceso de mi pensamiento, que pueden seguirlo muy bien. Si uno simplemente observa cómo opera el lenguaje - creando todos esos circuitos dentro de él mismo y cómo trabaja con nosotros constantemente, entonces estos filmes son fáciles de “entender”[1].

En el documental se mezcla imágenes, se desfasa audio, hay silencios e imágenes  repetidas, con esto  impide seguir una trama e interrumpe la expectativa. Nos aleja incluso de las mujeres que vemos, mientras las documentales educativos nos acercan a ellas con cierta sensación de dominación, como un objetivo que puede ser entendido y por lo tanto controlado. Las mujeres de  Trinh T. Minh-ha, no, ellas son lejanas, complejas, en un mundo que nos es ajeno. Son trabajadoras e independientes.

La busqueda del significado en un film, es la principal pretensión de la crítica, al encontrarse con un film así, que por un lado utiliza imágenes estereotipadas pero por otro sin una narrativa lineal, con un voz en off confusa, y con una edición que lo separa de cualquier convención, se dificulta la asignación de un significado, y quzás ese era el propósito de Trinh T. Minh-ha. Que la película hablara de ella misma sin dejar hablar de ella a los críticos y espectadores, sin dejar adherirle un significado que no es. Sí es diferente a un documental de National Geographic, sí critíca nuestra forma de mirar otras culturas sin entender realmente lo que son, sólo mirandolas con curiosidad o con desapego sin darle la importancia que deben.Incluso sin darle la importancia a un documental, como si fuera un elemento más de ficción que un hombre ha inventado. No, son personas reales, todo un mundo que va desapareciendo y al que no nos acercaremos ni un poco si seguimos viéndolo como vemos a un oso panda en un zoológico.

Sometimes the mere fact that the subject matter is located in rural contexts or in remote parts of the non-Western world (what the Japanese film milieu commonly calls "ethnic films"), and the fact that, in addition, the images are bright and colorful, with no immediately definable or recognizable political agenda attached, are sufficient for some viewers to attribute the film's look to the more familiar one of National Geographic images [1]..


[1] Declaración tomada de “When The Eye Frames Red”, entrevista de Akira Mizuta Lippit a Trinh T. Minh-ha. http://www.ntticc.or.jp/pub/ic_mag/ic028/html/130e.html

La pirámide humana

de  Jean Rouch (1958)

Comienza el film, y Jean Rouche nos dice que la película que vamos a presenciar es una experiencia que él ha provocado en un grupo de jóvenes negros y blancos. Un experimento antropológico. En Abidján, capital económica de Costa de Marfil, Rouch trata el tema real de las relaciones entre africanos y europeos.
La estrategia consiste en asignarles roles: la rascista, la trituradora de relaciones, etc. En lugar de planear una imporvisación drámatica antes de filmar, Rouch les da la libertad de generar diálogos a partir de unas premisas dadas. Buscaba la espontaneidad filmando sin previos arreglos.

Los roles funcionan como excusas, como detonantes que generan encuentro o momentos que se encontraban ocultos o que conforman a la persona y que salen a la luz.
Las personas traemos una máscara con la que andamos en la sociedad.
 Por ejemplo, el hecho de exigir a las personas en Estados Unidos llamar a los negros, afroamericanos, resulta una máscara gestual que vela el racismo detrás de la sociedad. La realidad no se manifiesta en un primer término, por ello, Jean Rouch crea los escearios para generar conflictos o crisis que reflejan el interior de una persona. Al comienzo puede suceder que, frente a una cámara intenten ser mejores personas de lo que son realmente, después, Rouch consigue que la gente se muestre como es.

 

 Sin embargo Jean Rouch va mas allá del tema del rascismo y habla del amor.  Nadine, como imagen del amor o de la necesidad de amor, trasciende la discusión racial a la discusión universal.

Al filmar, sostenía Rouch, “debe permitirse que la realidad hable por sí misma y se “revele”. El “cine directo” se construye entonces sobre la base de la participación e incluso de la provocación: de otra manera la “realidad” filmada permanence oculta, disimulada y sin expresar su autenticidad.”  Pone los elementos catárticos y espera a que las situaciones se den por sí solas. ¿Qué situaciones se dan? 
El primer acercamiento es torpe y dudoso. Se está acostumbrado a ver al otro, al afroamericano, como un desconocido y viceversa.

Jean Rouche  utilizó ampliamente la ficción para comunicar sus registros antropológicos.
Lo importante para Jean Rouche era el proceso, más que el resultado. El proceso y el logro del acercamiento entre dos grupos diferentes que culmina en una amistad, haciendo un paralelismo entre ficción y la realidad misma, que va mas allá de los juicios raciales.
 

Jaguar

de  Jean Rouch (1967)

Acerca de tres jóvenes Africanos que dejan su aldea de Songhai para ir a Ghana.  Jean Rouch nos presenta el tránsito de los jóvenes de la aldea a Ghana a partir de una caminata larga y agobiante. La miragración, en busca de un trabajo provisional, consiste en una tradición que significa un rito de paso a la adultez, la maduración del individuo al exponerse a los vicios de la ciudad. Con la posibilidad de avergonzar a la familia cediendo a las perversiones de Ghana o volviendo a casa con dinero y nuevas experiencias que contar.
Este viaje nos lleva a comparar dos mundos, el campo empobrecido y la ciudad activa y en circulación con diversidad cultural.

La forma en que jaguar es narrada logra arrastrarnos hacia la historia hasta sentirlo de una forma vivida, cercana. Nos convertimos en sus confidentes  que escuchan atentamente una aventura, como la escuchamos de un amigo. Que se ríen y recuerdan. Todo esto como una resolución a un problema que se presentó ante Jean Rouch, no poder llevar equipo de sonido. Así pidió a los tres jóvenes fabularan a partir de las imágenes. Rouch, en su cine, solicitaba y promovía la particiáción de los sujetos en el prceso de la filmación para evitar, como dijo el cineaste David MacDougall, “...que el observador
y el observado se refugien en mundos diferentes y aislados..., produciendo películas que en realidad son monólogos”.
Para Rouch un elementorequerido en una película etnográfica es la retroalimentación del sujeto, compartiendo sus filmaciones con los que han participado en el film.
 Con Jaguar Jean Rouch inició con lo que se ha llamado el cine de “impovisación colectiva” o ciencia ficción etnográfica.

En el tiempo en el que vivimos, inundados de imágenes, ver algo nuevo es difícil, se ha perdido el encanto de lo nuevo por el acceso que tenemos a imágenes. Quien no haya visto el mar, lo conoce por foto, esta mirada ingénua, de sorpresa y entusiasmo conmueve. Ellos juegan como niños en las olas mientras se dirigen a un viaje para volverse hombres.

Nanook of the North

de  Robert J. Flahert (1922)
"No me propongo hacer películas sobre lo que el hombre blanco ha hecho de los pueblos primitivos...Lo que deseo mostrar es el antiguo carácter majestuoso de estas personas mientras ello sea posible, antes de que el hombre blanco destruya no sólo su carácter sino también el pueblo mismo.”


Robert Flaherty, es considerado el padre documental de tipo antropológico. Nos enseña un retrato que nace del interés por el otro. De la diferencia y de todo aquello que nos es extraño y particular de otras culturas.
Nanook es un retrato de una etnia esquimal, que existió en algún tiempo y que se llamaban Inuit. Allakariallak es el verdadero nombre de Nanook.

He leído que se ha especulado mucho sobre la autenticidad del film, si se podría considerar un documental debido a estar completamente manipulado.  La importancia del film, para mi,  anula la etiqueta de documental o ficción. La importancia no sólo dentro del cine, sino, desde un punto antropológico y científico, ya que el valor de Nanook  “es equiparable a poseer su equivalente basada en la vida de los indios Sioux o comunidades semejantes ya desaparecidas, o asimiladas por la forma de vida occidental.”. El retrato de Nanook va a permanecer como testimonio antropológico cuando el mundo destruya la diversidad cultural.

Es un hecho que el documental ha sido preparado, que sus personajes se basan en una vida primitiva que ha cambiado, donde ya conocen la lata de comida o el gramófono. Que la ingenuidad que nos muestra en esta imagen sea ilusoria.
 El panorama idealizado por Flaherty donde Nanook usa arpón en lugar del rifle y los escenarios  falsos, son mas pruebas. Lo que sea, documental o ficción, posee una belleza extrema, que conmueve al publico que la mira. No sólo se trata de un retrato de una forma de vida sino de un viaje al espíritu de una etnia que vivirá en el film de Nanook para ser recordada. Flaherty decía que en ocasiones, había que mentir, distorsionar, para capturar el verdadero espíritu.

Nanook encarna la pureza perdida, encarna el sentido de lucha permanente.
Su labor de cada día consiste en sobrevivir. Lucha por su vida y la de su familia en un ambiente desolador, adeverso y terrible,  Nanook representa la individualidad, la lucha por si mismo. El espectador se identifica con él, porque es ante todo, un hombre.

Dentro de este ambiente adverso y desolador del ártico, Flaherty mezcla imágenes de ternura, de amor familiar, de lucha inagotable, que provoca una cercanía en el espectador, que piensa a Nanook como alguien cercano.

Otro aspecto a destacar es la forma en que se llevó a cabo el film. Flaherty incluyó a los esquimales en la realización del documental. Los vinculo en el proceso de filmación. Su complicidad llegó al extremo de que estos, le ayudaban a desmontar y limpiar las cámaras o a revelar.  Incluso ayudaban a editar, no sólo son el objeto a observar, Nanook y su familia se involucran en la interpretación de sus vidas.

Propuesta autorretrato

Quiero tomar pequeños textos de novelas o cuentos donde se describen a los  personajes física y psicológicamente, e incluso situaciones por las que pasa. Descripciones en las que me identifique o me pueda comparar. Y mediante estos textos usados en voz en off en el autorretrato, grabar imágenes que tengan relación con ellos. Pero no imágenes de mi sino de otras personas, como usando a los demás de un espejo de mi misma.
Un texto que me gustaría tomar es el autorretrato de Max Jacob  “si intenta la actitud de hombre inteligente resulta incomprensible o tedioso(…) Tiene mucho éxito pero él sólo lo sabe” . Otro ejemplo de descripciones de situaciones por las que pasan los personajes y con las que me identifico: “Son extraños, esos antiguos recuerdos que nos obsesionan y sin que podamos desprendernos de ellos”  O textos de personajes describiendo a otros personajes :“Me das risa pobre. Tus determinaciones trágicas, esas maneras de andar golpeando las puertas como una actriz de tournées de provincia, uno se pregunta si realmente crees en tus amenazas, tus chantajes repugnantes”.
 Tomando textos como estos en off grabar imágenes de las personas cercanas de mi en situaciones normales y usarlas como un reflejo de mi.